Картины в технике ошибана: картины из растений и цветов — Мастер-классы на BurdaStyle.ru

Содержание

картины из растений и цветов — Мастер-классы на BurdaStyle.ru

Помните гербарии, которые мы засушивали для уроков природоведения в детстве? Искусство создания великолепных картин ошибана в своей основе похоже на составление такого гербария. Разница в том, что из растений и их деталей составляются методом коллажа изображения: пейзажи, портреты, натюрморты, сюжетные картины, абстрактные узоры и паттерны…

Фото: @roerichsmuseum

Ошибана: что это за техника и как она появилась

Фото: @krysinaludmila

Ошибана или осибана — вид флористики, который родился в Японии много веков назад. С японского это слово можно перевести как «прессованная» или «плоскостная флористика». Можно сказать, что это живопись, выполненная с использованием растений, заранее собранных и высушенных по особой технологии.

Упоминание о составлении картин из высушенных растений встречается в культуре Древнего Египта и Иудеи, Китая, Кореи и Таиланда.

Наибольшего же развития это мастерство достигло в Японии около шести веков назад.

Фото: @olgakataraga

Тогда ошибана считалась искусством самураев. Так как это занятие требует одновременно и тонкого понимания природы, и развитого художественного вкуса, и умения максимально сосредоточиться и быть ловким, словно ювелир, самураи практиковали ошибану для достижения уравновешенности, тренировки внимания и точности и понимания природной гармонии.

Фото: @olgakataraga

Во второй половине XIX века, в Викторианскую эпоху, это вид рукоделия стал известен в Великобритании, потом распространился по Европе и другим континентам. Хотя по‑прежнему сегодня ошибана более всего распространена в Японии, но в последние десятилетия этот вид искусства стал популярен во всём мире в качестве увлекательного хобби.

Попробуйте заняться ошибаной, если…

Фото: @roerichsmuseum

Если вы любите природу, вас завораживает красота растений и цветов, если вам нравится составлять гербарии, если вы испытываете тягу к изобразительному искусству — попробуйте себя в занятии ошибаной. Для освоения этого искусства не требуется профессиональных художественных навыков: «рисовать» листьями, цветами и семенами растений вам поможет сама создавшая их природа. Результаты же получаются впечатляющими даже у начинающих.

Фото: @solod_studio

Что нужно, чтобы начать?

Фото: @marina_khortitskaya

Истинные мастера ошибаны используют множество профессиональных приёмов и секретов для подготовки материала и создания своих работ. На специальных сайтах и форумах увлечённые этим искусством обсуждают особые конфигурации инструментов и наилучшие дни, часы и погоду для срезания растений. Для дольшей сохранности готовых картин их помещают в герметичную раму под стеклом, откуда выкачивается воздух. Во все эти тайны вы тоже можете погрузиться, если серьёзно увлечётесь ошибаной. Для начала же вам потребуется совсем немногое.

Фото: @romashkacv

Сначала нужно собрать материал. Это могут быть целые растения, их листья, цветы, семена и семечки, стебли, колосья, тополиный пух, береста и кора других деревьев — вариантов множество. Профи рекомендуют собирать материал в сухую погоду. Затем материал надо высушить, расположив в специальной гербарной сетке или между листами бумаги под прессом. Дальше дело за задумкой и эскизом будущего изображения — его можно нанести карандашом на бумагу или ткань. Наконец, воспользовавшись пинцетом и клеем (например, ПВА), картинка «рисуется» засушенными растениями и их деталями. Листья превращаются в силуэты гор и кроны деревьев, пух становится облаками и снегом, стебли позволяют «проводить» прямые линии, семена и лепестки цветов — создавать фактурные поверхности…

Как сделать монограммы из растений и цветов в технике ошибана: мастер-класс

Простой, но эффектный подарок или украшение интерьера для собственного дома — картина из листьев и цветов.

Вам потребуется:

— растения и цветы для засушивания;

— листы бумаги и толстые книги для засушивания;

— ножницы или небольшой секатор;

— клей ПВА и кисточка;

— рамка для фото и бумага-основа для работы.

Последовательность работы:

1. Собираем, обрезаем, засушиваем растения.

2. Придумываем эскиз, раскладываем растения.

3. Приклеиваем растения к бумаге, высушиваем работу и вставляем в рамку.

Идеи для вдохновения:

Фото: thehousethatlarsbuilt.com

Фото: craftgetideas.com

Фото: tattooedmartha.com

Фото: counter-peak.com

Фото: steemitimages.com

Фото: @studio_helgiis

Фото: @studio_helgiis

Фото: @olgakataraga

Фото: @olgakataraga

Фото: @olgakataraga

Фото: @roslynka_art

Фото: @roslynka_art

Фото: @handmade_diy_bishkek

Фото: @krysinaludmila

Фото: @alekuwka

Фото: @fairy_celebration

Фото: @fairy_celebration

Фото: @azalijart

Фото на превью: designsponge.com

техника создания картин из цветов и листьев

Ошибана  или осибана — это разновидность флористики, искусство создания картин из высушенных под прессом природных материалов: лепестков цветов, зеленых и желтых листьев, стеблей и семян трав.

Искусство ошибана (осибана) возникло в Японии около шестисот лет назад, а может и больше. В Европе этот вид декоративно-прикладного искусства  был широко распространен в Викторианскую эпоху. В последние десятилетия ошибана переживает второе рождение.

Для создания картин не нужны никакие особые материалы и средства. Практически все необходимое можно собрать в лесу или в поле, а то и на своем подоконнике. Прекрасные цветки гиппеаструмов, кружевные листики адиантума станут находкой для мастера. Высушенные и подготовленные природные материалы прикрепляют к основе (тканевой или бумажной), создавая композицию.

Несмотря на кажущуюся простоту, техника ошибана позволяет создавать просто потрясающие картины. Опытные мастера могут с помощью композиций из листьев и лепестков передавать холодную красоту горного пейзажа и тихую прелесть лесного озера.

При подготовке материала для картины необходимо учитывать множество нюансов. У каждого серьезного мастера, создающие картины в технике ошибана,  свои секреты. Очень важно сохранить форму, фактуру и цвет засушенных растений.

Цветы, листья, траву, семена, пух собирают и высушивают под прессом или в гербарной папке, чтобы они стали плоскими. Листья и цветы при этом часто меняют свой цвет. Для получения нужного оттенка иногда применяют термическую обработку или другие способы сохранения природной красоты.

Известно, что чем цветки моложе, тем устойчивее их окраска. Пионы, георгины, астры, пеларгонии, осенние листья долго сохраняют свой цвет,  а настурции, лилии, анютины глазки выгорают очень быстро. Высушить цветы желательно как можно быстрее, при этом достигается меньшая потеря цвета.

Хранят растительный материал в герметичных емкостях, защищая от прямых солнечных лучей, влаги и моли. Готовые картины ошибана тоже со временем могут выгорать и менять свой цвет, поэтому желательно вставлять их в рамку под стекло и не держать на солнце.

Для работы, прежде всего, нужно обзавестись необходимыми материалами и инструментами. Помимо засушенных растений вам понадобится клей, который станет прозрачным после высыхания (ПВА, например). Нужны будут также кисточки для клея, пинцет, ножницы с острыми кончиками, плотный картон и бумага.

Прежде чем приступить к наклеиванию, желательно сначала нарисовать эскиз простым карандашом, тщательно продумать композицию будущей картины. После этого разложить основные компоненты на бумаге, подобрать по цвету и фактуре.

Поможет в этой работе наличие художественного вкуса и чувства композиции. Очень важно грамотно подобрать цвета и оттенки. Опытные мастера советуют не спешить сразу же приклеивать цветы и листья. Рекомендуют посмотреть на собранную картину через некоторое время, оценить и подумать, что нужно изменить.

  • < Назад
  • Вперёд >

подготовка к живописи, мастер-класс по изготовлению пейзажа своими руками

Ошибана — это вид искусства, в котором для создания картин используются высушенные под прессом природные материалы. Такая разновидность флористики предусматривает применение листьев различных растений, цветов, стеблей и семян трав. В творческом процессе используется только натуральный материал, который легко можно заготовить самостоятельно. Ошибана является самым доступным видом творчества.

Особенности прессованной флористики

Ошибана (прессованная флористика) возникла ещё в Викторианскую эпоху (примерно 600 лет назад). Родиной этого искусства является Япония, где оно очень широко распространено. В последнее время ошибана стала набирать особую популярность в европейских странах. За тридцатилетний период появилось много интересных мастеров, которые обучают всех желающих и помогают приобщиться к этому виду искусства.

В основе техники ошибана лежит использование специально подготовленных природных материалов. Несмотря на простоту подготовки, с их помощью можно создать не просто аппликацию, а настоящий шедевр. При правильном сочетании отдельных элементов в композиции мастера достигают идеальной гармонии цвета изображения и фона.

Живопись цветами — ошибана — позволяет каждому человеку в полной мере проявить свои творческие способности. В этом искусстве нет чётких ограничений в сложности изображения или используемых материалах. Исходя из этого, следует начинать работу только после тщательной подготовки и продумывания каждого её этапа.

Подготовка к работе

Перед тем как сделать картину в технике ошибана своими руками необходимо правильно провести все подготовительные работы. Они заключаются в сборе растительного материала и его обработке, заготовке инструментов, а также в изучении советов профессиональных мастеров.

Весь творческий процесс может занять у вас довольно много времени и отобрать некоторое количество сил. На протяжении всей работы важно сохранять концентрацию и аккуратность. Только это позволит сделать не просто детскую аппликацию, а настоящую полноценную картину.

Требуемые инструменты

Чтобы создать по-настоящему красивый пейзаж, необходимо перед началом работы подготовить все необходимые инструменты. Это позволит полностью погрузиться в творческий процесс и не отвлекаться на поиск того или иного предмета. Для пейзажа в технике ошибана понадобится:

  • большие и маникюрные ножницы для вырезания отдельных элементов картины;
  • мягкий карандаш для нанесения предварительного рисунка;
  • пинцет для аккуратного перемещения и приклеивания вырезанных заготовок;
  • плотный картон, который будет служить в качестве основы;
  • рамка со стеклом для окончательного оформления аппликации;
  • клей ПВА для прикрепления растительного материала к основе;
  • тонкие кисточки, с помощью которых будет наноситься слой клея.

Помимо инструментов, для пейзажа понадобятся и растительные материалы.

Выбор и заготовка исходных материалов

Целью искусства является создание картин из простых подручных материалов. Однако, их не только нужно собрать, но и правильно обработать. От этого будет зависеть не только простота работы, но и привлекательный внешний вид готового изделия. Для создания оригинальной картины, чаще всего, используются такие материалы:

  • листья деревьев;
  • лепестки цветов;
  • тополиный пух;
  • семена растений;
  • различные травы.

Эти материалы можно насобирать в ближайшем парке или лесу и засушить под прессом. Вам необходимо найти такие растения и их части:

  • листья калины;
  • обёртки кукурузных початков;
  • листочки тополя;
  • лопух;
  • листья земляники, винограда и сирени;
  • веточки полыни;
  • кленовые листочки;
  • бересту;
  • берёзовые ветки.

Если вам не удалось отыскать какое-либо растение, то его можно заменить любым, приблизительно подходящим по фактуре и цвету.

Эти растительные детали после сбора помещаются в гербарную папку или под пресс и высушиваются до тех пор, пока не станут плоскими и тонкими. Очень часто случается, что после обработки цветы и листья теряют свою яркость и меняют оттенок. Исправить эту ситуацию помогает длительная термическая обработка.

Готовый материал становится очень сухим и хрупким. Одного неосторожного движения может быть достаточно, чтобы испортить несколько дней работы по его заготовке. Поэтому его следует правильно хранить. Для этого профессионалы используют герметично закрывающиеся ёмкости, которые помогают избежать попадания влаги и защищают от нашествия насекомых.

Сухой материал очень боится попадания прямых солнечных лучей. Под их воздействием он становится очень тусклым и непригодным для дальнейшего использования. Поэтому ёмкость с растительными заготовками следует хранить в тёмном месте.

Советы профессиональных мастеров

Прежде чем приступить к изучению мастер-класса по ошибане для начинающих, необходимо учесть все советы опытных мастеров. Среди советов стоит обратить внимание на следующее:

  1. В качестве основы для создания картины лучше всего использовать плотный картон. Перед тем как приступать к работе, он со всех сторон обклеивается белым ватманом. Это помогает избежать перегибов после высыхания клея.
  2. Для нанесения эскиза будущего изображения необходимо использовать простой карандаш. Контуры наносимого рисунка должны быть тонкими и видными только мастеру, так как во время работы может возникнуть необходимость поменять отдельные детали изображения.
  3. Для простых рисунков лучше всего выбрать какой-нибудь оригинальный фон. Для этого можно использовать несколько видов растений и цветов. Более сложные изделия не нуждаются в таком обрамлении и для них достаточно будет однотонного фона.
  4. Во время создания композиции важно делать переходы между отдельными деталями как можно более плавными и незаметными.
  5. Для придания готовому изображению объёма можно использовать пух вербы или тополя. Кроме этого, подойдут необычные стебли растений, солома, береста или кора дерева.
  6. Приклеивать отдельные детали рисунка следует предельно аккуратно. Малейшая неточность приведёт к сдвигу всего рисунка и необходимости повторной подготовки.
  7. Не нужно сразу же вешать на стену готовую поделку. Любая аппликация из растительного материала требует времени для просыхания.
  8. Готовое изделие лучше всего поместить под стекло и украсить рамкой. Это убережёт растительные материалы от выцветания и разрушения.

Эти рекомендации помогут новичку избежать большинства простых ошибок и сделать максимально красивую поделку.

Для ознакомления с техникой ошибана лучше всего выбирать простые изображения. Оптимальным вариантом будет создание природного пейзажа.

Создание пейзажа

После того как все необходимые природные материалы были найдены и высушены, можно смело приступать к созданию аппликации. Весь процесс нужно выполнять последовательно и не пропускать ни одного этапа. Это поможет более быстро и качественно изготовить поделку. Процесс создания пейзажа техникой ошибана прост и состоит из следующих этапов:

  1. Первым делом берётся плотный картон и мягкий карандаш. С его помощью на основе рисуются контуры отдельных частей изображения (передний план, горизонт, река). На этом этапе не нужно чётко прорисовывать все мельчайшие детали.
  2. Затем рисуются стволы деревьев и кроны. В зависимости от выбранного вами времени года, можно варьировать густоту листвы и её количество.
  3. Начинать приклеивать растительные материалы следует с неба. Для него берутся обёртки кукурузных початков и вырезаются по нарисованному контуру облака.
  4. Затем с помощью тонкой кисточки наносится клей на всю поверхность листочка.
  5. Промазанные лепестки приклеиваются к нужной части пейзажа и вся аппликация кладётся под пресс на несколько минут. Это необходимо для того, чтобы клей полностью высох, а части растения надёжно прикрепились.
  6. После неба накладывается слой водной поверхности реки. Для этого применяется береста (кора берёзы). Она расслаивается на более тонкие пласты и из неё вырезается не всё изображение реки, а лишь небольшая её часть.
  7. Затем подбираются понравившиеся вам оттенки и приклеиваются оставшиеся части речки.
  8. Пейзаж помещается под пресс и сохнет в течение трёх минут.
  9. Следующим приклеивается задний план картины. Для него используется обратная сторона листьев тополя. Она окрашена в серебристый цвет и как нельзя лучше передаёт размытость заднего плана.
  10. Листья обрезаются по нарисованному контуру и аккуратно приклеиваются к картонному основанию.
  11. После очередного придавливания прессом изображается левый берег реки. Для этого берутся листья лопуха, клёна, тополя и вырезаются по требуемой форме.
  12. Все подготовленные элементы присоединяются к изображению. Важно сделать так, чтобы переходы между оттенками разных листьев были как можно более плавными.
  13. Для изображения правого берега применяются листья винограда и сирени. С их помощью создаются деревья и прочая растительность на заднем его плане.
  14. Спереди лучше всего приклеивать детали, вырезанные из листочков клёна, лопуха и лепестков роз. Здесь также необходимо обеспечить равномерный переход от одного оттенка к другому и избежать видимых стыков отдельных элементов.
  15. Дальний план пейзажа заполняется хвойным лесом. Для этого берутся веточки полыни и приклеиваются в виде разных по размеру ёлок и сосен.
  16. Когда все части фона проработаны, необходимо уделить внимание более крупным деталям, таким как деревья. На левом берегу реки можно расположить стволы берёз, вырезанные из бересты.
  17. Рядом с берёзами помещаются кустарники из листьев розы.
  18. Листва деревьев делается из кусочков лопуха, оборванных руками. Они получаются произвольной формы, что идеально подходит для композиции.
  19. На правом берегу реки располагаются более крупные и массивные деревья. Их ствол вырезается из тёмной внутренней части берёзовой коры.
  20. Из этого же материала формируются ветви.
  21. Для изображения листвы используется земляничные, калиновые и кленовые листочки. Весь процесс их наклеивания идентичен нанесению листвы берёз.
  22. С любого берега формируется крутой обрыв. Для его создания применяются отдельные детали из листьев тёмного цвета.
  23. В самом конце прорабатываются мельчайшие детали пейзажа, такие как: отражение в воде и более тёмные части у берега. Для этих целей применяются как тёмные, так и светлые листья любых растений. Главное, чтобы каждая мельчайшая деталь гармонично дополняла картину.
  24. На поверхности воды можно сделать отдельные островки суши, которая ещё не была поглощена водой. Они изображаются с помощью частей листьев клёна и тополя.
  25. Готовый пейзаж придавливается прессом и полностью просушивается.
  26. После этого картина помещается под стекло и в рамку.

Ошибана — замечательное японское искусство, которое позволяет каждому человеку проявить свою фантазию и индивидуальность. При правильном подходе к работе и соблюдении всех тонкостей техники ошибана можно создать настоящую картину, которая украсит стену вашей квартиры или дома.

Originally posted 2018-08-29 09:56:23.

Мастер-класс по технике ошибана: Как нарисовать пейзаж листьями

Опубликовано: April 18, 2016, 1:04 a.m.

Пейзаж с облакамиКак нарисовать пейзаж, используя только природный материал, а именно — самые обыкновенное листья? Сегодня я покажу вам, как это сделать. Для этого пейзажика, совсем простого, но от того не менее приятного глазу, не нужно каких-то особенных растений. Только листья тополя серебристого и листья камыша или рогоза — согласитесь, этот материал можно найти практически где-угодно. Вместо камыша подойдут также листья тюльпана, лилейника, ириса, ландыша…

Автор: Данченко Инна

Картины из пуха, листьев и цветов

 Итак, потребуются высушенные под прессом листья тополя разных оттенков.

 Как их правильно заготовить можно почитать здесь . Эти листья отлично подходят для изображения неба и облаков. Чтобы небо выглядело однородным, а не сложенным из кусочков, как мозаика,  чтобы переходы от одного цвета к другому на небе были плавными, есть пара секретов — прежде чем клеить листья, их края  нужно общипать пинцетом. Второй секрет — листья нужно клеить сверху вниз.

Далее, для основы берем лист картона и намечаем карандашом линию горизонта. Наиболее гармонично смотрится пейзаж, в котором линия горизонта находится в нижней или в верхней трети листа. То есть, пейзаж с низкой или высокой линией горизонта. Если эта линия будет проходить строго посередине вашей картины — это будет выглядеть скучно и неинтересно.

Теперь нужно выбрать наиболее подходящие листья и прикинуть, как примерно  они будут располагаться.

 Приступаем к наклеиванию. Для этого вам потребуется клей ПВА. Лучше взять ПВА в строительном магазине, а не в канцелярском, так как нас интересует клей густой и неразбавленный.  Намазываем лист очень тщательно.

 Клеим сверху вниз, справа налево, внахлест.  Для того чтобы показать глубину пространства — листья вверху картины должны быть более темными, чем те, что располагаются ближе к линии горизонта.

 «Нарисовали» небо, приступаем к земле. Для изображения земли идеально подходят листья рогоза. Как правило, они неоднородно окрашены, в пятнышках и точечках, — то, что нужно для имитации полей и степей!  Эти листья можно сразу высушить под прессом, а можно просто собрать уже сухой материал и выглаживать горячим утюгом по одному листику по мере надобности.

 Клеим землю полосками рогоза. Я решила не заклеивать всю землю, а сделать еще и небольшое озеро из тех же листьев тополя.

 Для изображения деревьев пригодятся разные травинки и мелкие веточки.

«Деревья» наклеили, но небо выглядит пустоватым. Я решила добавить облака и стаю улетающих птиц. Чтобы облака были более объемными — снизу каждого облака клеим кусочки тополя более темного оттенка.  Птицы вырезаны из кожуры банана.

И вот наш пейзаж готов. Осталось подобрать подходящую рамочку с антибликовым стеклом и повесить картину на стену.

Ошибана — прессованная флористика, ошибана своими руками

Ошибана — это прессованная флористика. Творчество рукодельниц ошибаны основывается на применении материала — цветков, травок, коры деревьев, высушенных под прессом и сохранивших свои природные размеры и цвет. У нас флористика живет только восемь лет, хотя в Японии она уже больше шестисот лет.

Золотая осень и зимняя дорога, женские портреты и разнообразные пейзажи — древнее японское искусство живописи цветами осибана имеет самые разные темы, но, если раньше прессованная флористика считалась исключительно техникой самураев, то ныне ей пользуются обычные рукодельницы по всему миру. Необыкновенной красоты картины создаются поэтапно из засушенных цветов и растений под стеклом и на стекле – кажется, что их пошагово с нежностью и любовью создает сама природа.

Когда-то в прошлом, самураи проходили путь воина. И ошибана была частичкой этого пути, такой же, как создание иероглифов и владение своим мечом. Идея ошибаны выражается в том, что в состоянии полного присутствия в моменте (сатори), мастер изготавливал картину из сухоцветов (специальных цветков). После этого, такая картина могла быть ключом, проводником для тех, кто был готов пойти в безмолвие и пройти важное сатори.

Вся суть техники «ошибаны» заключена в том, что, собирая и высушивая под прессом цветочки, травы, листики, кору и наклеивая их на основание, автор создает с помощью растений по-настоящему произведение «живописи». Иными словами, ошибана — это живопись при помощи трав.

Художественное творчество для начинающих флористов основывается на сохранении формы, оттенков и фактуры растительного сухого материала. Японцы создали методику сохранения картин «ошибана» от огня и потемнения. Смысл ее в том, что между стеклышком и картинкой откачивают воздух и делают вакуум, который не дает растениям испортиться.

Привлекает не только уникальность этого стиля искусства, но и шанс проявить воображение, вкус, знание информации о растениях. Флористы создают орнаменты, пейзажи, натюрморты, портреты и сюжетные картины. Кроме Японии, родина искусства «ошибана», специальная флористика под прессом, развивается в разных странах.

Содержание материала

Галерея: ошибана — прессованная флористика (25 фото)

Ошибана своими руками, мастер-класс

Подготовка к мастер-классу будет выделять следующие пункты:

Вначале, выберем свободное, полностью освещенное местечко, где вам будет комфортно разложить достаточное количество предметов.

  • Такое занятие не обходится без клея (чаще всего применяют клей момент, т.к. он не оставляет после себя серьезных следов, то есть практически прозрачный после высыхания), поэтому лучше рабочее место застелить простой бумагой, для сохранения ваших вещей.
  • Кисть для приклеивания объемных листиков: пластиковая, тонкая (диаметром не более миллиметра) полочка или спица для внесения маленького объема клея.
  • Пинцет для захвата и удержания маленьких элементов. И если честно, эту вещь ничем не заменить — листья достаточно слабый материал и в руках часто крошатся, да и сами руки остаются чистыми от клея.
  • Острые ножницы с прямыми кончиками.
  • Две тряпки. Одна полностью сухая, а вторая немножко влажная.
  • Помимо этого оборудования, вам потребуются альбомы с разноцветными и простыми карандашами. В альбомах создаются записи, зарисовочки, наклейки и все то, что нужно будет вам для новых работ.

Простые аппликации делаются без эскиза. Аппликации с тяжелым сюжетом, огромным количеством элементов надо создавать по эскизу. Эскиз к новой работе создается в карандаше и соответствует ее габаритам. В эскизе большое внимание следует выделить его общей композиции. Правильно выдуманная композиция, т.е. размещение того, что надо изображать, это залог успеха изделия.

При помощи композиции узнают положение фигурок и предметов где-либо (для чего применяется перспектива), приходит согласованность изображаемых вещей (в этих целях делаются системы масштабов и пропорций, а также ритмы, иногда — равномерность). При создании эскиза, главное, определить композиционные части аппликации.

Не нужно усложнять работу излишними, а также слишком маленькими элементами, так как в их изображении трудно дойти до точного результата.

Самой простой будет изготовление аппликации из целых формочек растений, где можно производить легкие миниатюры, к примеру, морковку из листочка ясеня и зелени морковки, репку из листа тополя и травки «медвежье ушко».

Из целых формочек растений и листов можно сделать и усложненные композиции букетиков. Их готовят в нужной последовательности. Начинают с создания контура композиции — раскладывания деталей, обрамляющих картинку. Для этой цели хороши ажурные растения: зонтичные, папоротники — они придают аппликации простоту и воздушность.

Потом заполняем внутреннюю частицу картины. Укладываем растения от края к центральной части. При этом надо проследить за тем, чтобы нижняя частица каждого растения прикрывалась верхней частью нового, т.е. создавалась чешуя.

В работе огромное значение имеет размещение деталей из центра композиции. Закреплять все сразу на фоне не нужно. Надо изготовленную композицию прикрыть листком бумаги и через определенное время нормально взглянуть на нее. Если композиция сделана верно, хорошо, то можно переходить к прикреплению растений.

Заготовка из природных ресурсов

При создании милых композиций и картин в этой технике, пользуются сухими растениями: цветками и их лепестками, листьями, веточками, мхом, султанчиками от кукурузных початков, тополиным пухом, березовой корой и т.д. Для отличной работы надо иметь большой запас сушеных растений.

Стойкость цвета

При засушке цветков и иных растений нужно знать, как долго они хранят свой оттенок. По стойкости цветовой гаммы растения разделяются на три вида:

  • Стойкие — сохраняют оттенок в течение многих десятков лет: пионы, георгины летние и осенние, астры, мальвы, васильки, синие подснежники, маргаритки, керсопсис, анафалис, статица, пестрые тюльпанчики, все осенние листы, еще чистец, оборотная сторона листа серебристого тополя и терн.
  • Средней стойкости — держат цвет десять и более лет: гайлардия, гелениумы, годеция, рудбекия, жасмины, черемуха, космея, сальвия, розочки, бархатцы (тагетес), ромашки садовые.
  • Малостойкие — держат цветовую гамму до нескольких лет: виола , флоксики, настурция, лютики, тигровые лилии и остальные.

Можно брать цветы всех видов. Только надо при этом строить композицию так, чтобы малостойкие, выцветая, не искажали цветовую гамму, а даже открывали новые оттенки. Ну и главное, запомните, из-за некачественных материалов вы можете испортить всю работу.

Другие интересные статьи по рукоделию

Уроки ошибаны для начинающих: бесплатные видео для домашнего обучения

Уроки ошибаны для начинающих: бесплатные видео для домашнего обучения

Японским словом «ошибана» называют картины и панно из засушенных растений. Аппликации из листьев и лепестков цветов напоминают живопись, только без использования красок. Модное увлечение встречается в качестве отдельного вида творчества и в составе скрапбукинга. 

 

ВСЕ КУРСЫ ОНЛАЙН сделали подборку лучших пошаговых уроков по флористической живописи. Видео помогут создать картины ошибана с нуля, станут источником творческих идей и практических советов для новичков.

 

История флористической живописи

 

Креативная техника флористической живописи была создана древними самураями около 600 лет назад. Ошибана была призвана сохранить красоту природы, почитаемую в самурайской философии. Пейзажи восточных мастеров передавали личные переживания, вносили умиротворение в мысли и способствовали сохранению гармонии. В Европе цветочными аппликациями стали увлекаться знатные барышни викторианской эпохи. В Россию рукоделие попало благодаря всеобщему увлечению всем французским.

 

Что понадобится

 

Основные материалы – сухие цветы и травы с добавлением семян, дегидрированных плодов и коры деревьев. В ход идут побеги, тополиный пух, хвоя и любые листья. Для собирания композиции понадобятся кусок плотного картона (иногда просто бумаги или ткани), пинцет и клей ПВА либо в стике. Некоторые рукодельницы добавляют бисер, бусины, ленты и другой декор на свой вкус. Фон можно тонировать акварелью или гуашью, детали прорисовывать маркерами или фломастерами. Готовую композицию часто покрывают лаком для придания блеска и долговечности. Для оформления используют декоративные рамы со стеклом и без.

 

 

Последовательность работы

 

Мастер-класс по созданию леди при помощи засушенных природных материалов на бумажной основе содержит поэтапный план работы.

1. Перевести рисунок на кальку.

2. Пронумеровать фрагменты рисунка и разрезаем на части.

3. Подготовить прессованные растения и соломенные ленты.

4. Приклеить клеем ПВА соломку, листья, лепестки к кальке.

5. Подрезать скальпелем по форме.

6. Продумать и добавить фон.

7. Покрыть лаком.

8. Оформить в рамку под стекло.

 

Составление композиции

 

Пожалуй, самый сложный этап касается сбора отдельных элементов на холсте. Не стоит торопиться приклеивать детали сразу. Лучше предварительно набросать эскиз простым карандашом, еле заметными тонкими линиями. Затем разложить сухоцветы пинцетом, подбирая по фактуре, оттенкам и размеру. Желательно до конца продумать, представить и оценить работу перед окончательным приклеиванием. Иначе придется переделывать.

 

 

Морской пейзаж с кораблем

 

Корабли и море – частый сюжет в любом виде изобразительного искусства. Идея мастер-класса Людмилы Крысиной (художника-флориста, члена творческого объединения художников и мастеров народного искусства «Арт-Аллея») касается как раз создания полотна с парусником, бегущим по волнам. Получается красивая насыщенная картина, созданная без использования каких-либо красок. Очень важно уметь аккуратно перенести на кальку корпус корабля, вырезать и суметь почти ювелирно обклеить заготовку, сохранив исходную форму.

 

Как сушить растения самостоятельно

 

Собирая красивые цветы, траву и другие растения самостоятельно, можно сделать уникальные шедевры. Самый первый гербарий имеет древнеегипетское происхождение и был найден в гробнице матери Тутанхамона в виде засушенных лавровых листьев. Всем известный способ сушения гербария в книге имеет существенный минус: долго готовится (около месяца) и часто имеет непредсказуемый результат. Более простой быстрый способ – сушка утюгом. Свежие соцветия накрывают обычными салфетками (без оттисков и перфорации) и проглаживают. Главное постоянно двигать утюг и не «сварить» растения. Для последующего подсыхания нужно положить в книгу во избежание сворачивания. 

 

 

Сохранение с помощью глицерина

 

Некоторая флористика в процессе долгого хранения может терять первоначальный цвет и даже рассыпаться. Один из самых надежных методов сохранения растений состоит в консервации в растворе глицерина. Автор видео показывает способ на примере обработки осенних кленовых листочков. Раствор готовят из глицерина с водой в пропорции один к двум и доводят до кипения. В остывшую смесь поочередно погружают природный материал. После хранят в закрытых стеклянных банках или картонных коробках, переложив салфетками. Идеально будет положить еще пакетики с силикагелем (как в коробках с обувью, для предотвращения отсыревания).  

 

Как тонировать сухоцветы

 

Природные краски обычно выглядят приглушенными и обладают ограниченной палитрой (оттенки зеленого, коричневого, желтого, красного, синего). Иногда хочется внести больше красок и оттенков, добавить яркости и броскости. В специализированных магазинах почти весь материал продается уже затонированным, для придания презентабельного вида. При самостоятельной покраске важно не перекрыть текстуру цветка.

 

 

Идеи поделок

 

В технике ошибана художники выполняют орнаменты, пейзажи, натюрморты, портреты и сюжетные картины. На первом этапе начинающие художники создают небольшие букетики, отдельные цветы, иногда просто наклеивают элементы как есть без оформления в композицию. Со временем стоит поэкспериментировать с более оригинальными формами: бабочки, птицы, животные, корзины с букетами. Сначала проще создавать маленькие панно или открытки, затем переходить к масштабным проектам, декорированию предметов интерьера.

 

Варианты оформления

 

Рамки для самодельных шедевров лучше делать самостоятельно, для получения абсолютно уникальной поделки. Еще один плюс хэндмэйд рамы – бюджетность. Для заготовки берут самые дешевые деревянные рамки и тонируют в требуемые цвета. Интересно и гармонично выглядит обрамление с эффектом состаривания. Понадобится нанести два контрастных оттенка краски, между слоями натерев древесину свечой. Верхний тон отшелушивают с помощью наждачки и получают как бы облезлую, потрескавшуюся от времени поверхность.

Любой вид рукоделия является наилучшим рецептом от плохого настроения и депрессий. Создание и созерцание картины oshibana быстро снимает усталость, успокаивает и дарит эстетическое наслаждение. Творения идеально подходят в качестве подарка и украшения интерьера.

 

 

что это такое? Описание живописи цветами и картины из засушенных растений своими руками. Пошаговый мастер-класс для начинающих

Если вам нравится любоваться природой, вы составляете необычные гербарии и любите рисование, вам стоит попрактиковаться в ошибане. Этот необычный вид прикладного искусства пришел к нам из Японии. К сожалению, в наши дни он мало распространён среди российских рукодельниц, однако, техника, вне всякого сомнения, заслуживает того, чтобы познакомиться с ней подробнее.

Что это такое?

Наверняка многие из нас собирали гербарии в школе для уроков ботаники и природоведения. Техника создания красивых картин по методу ошибана напоминает подобный гербарий — различие состоит в том, что из цветов посредством коллажа формируется изображение.

В дословном переводе «ошибана» означает «засушенный цветок». Технология флористической живописи достаточно проста: травы и цветы от природы имеют насыщенную цветовую гамму, каждый цветок и каждый лепесток по-своему уникальны, именно поэтому из высушенных растений при помощи аппликаций можно создавать самые необыкновенные флористические композиции.

По сути, художники рисуют цветами и растениями так же, как они делают это кистью и красками.

При этом они дарят окружающим огромную радость и самые положительные эмоции — доказано, что занятия ошибаной гармонизируют и умиротворяют человека.

Если говорить о технической составляющей этого искусства, то она заключается в том, что собранные цветы, листочки и травы засушиваются под гнётом, а затем наклеиваются на бумажную основу. При этом задача флориста заключается в максимальном сохранении форм, текстур и оттенков подсушенного материала.

Японскими художниками была разработана специальная методика, позволяющая предупредить выгорание цвета и потемнение картин, выполненных в технике ошибана. Суть её сводится к тому, что из пространства между самой картиной и стеклянной рамой выкачивается весь воздух — таким образом формируется вакуум, и он не даёт цветку испортится.

История

Ошибана как вид флористики появилась в Японии примерно 600 лет назад.

В те годы этот вид рукоделия являлся традиционным искусством самураев.

Дело в том, что это занятие требует глубокого понимания окружающей природы, развитого вкуса и способности к выполнению монотонной работы.

Кроме того, художник, работающий в этом стиле, должен быть ловким — именно поэтому самураи использовали ошибану для того, чтобы достигнуть максимальной уравновешенности и выполнять тренировку концентрации внимания.

В XIX веке данный вид искусства получил распространение в Великобритании, откуда вскоре проник в страны Старого света. И хотя ошибана в наши дни наиболее популярна всё же на родине, в Стране Восходящего солнца, тем не менее в последние годы это направление стало востребованным во всём мире, как необычное хобби для детей и взрослых.

Виды

В зависимости от уровня мастерства, в стиле ошибана используются разные материалы. Так, начинающие мастерицы, которые только делают свои первые шаги в пейзажной флористике, отдают предпочтение листве, а также цветущим частям растения. Из них они создают флористические композиции, натюрморты и прорисовывают женские силуэты в нарядных платьях.

Художники с опытом работы используют дополнительно кору деревьев, овощи и фрукты.

В технике ошибана можно создавать картины в самых разных направлениях, наиболее распространены следующие:

  • маринистика, то есть картины на морские темы;
  • пейзаж;
  • натюрморт;
  • орнаментная живопись;
  • изображение абстрактных картин;
  • сюжетные изображения.

Где используется техника?

Стиль ошибана получил распространение для создания картин, панно и других элементов оформления интерьера. Изображения, выполненные в этом стиле, служат украшением помещений, оформленных в этническом стиле, кантри, прованс и эко. Они создают стильные акценты в детских комнатах, кухонных помещениях и столовых.

Востребована ошибана, как направление творчества, на занятиях по раннему развитию детей и формированию навыков работы с природным материалом. Нанесение аппликации из цветков и прочих фрагментов растений стимулирует усиленное развитие мелкой моторики, тем самым способствует полноценному развитию нервной системы малыша. Неслучайно именно ошибана часто встречается на занятиях в центрах реабилитации для детей-инвалидов, а также детей, нуждающихся в поддержке психолога.

Благодаря занятиям ошибаной у детей с раннего возраста пробуждается любовь к окружающему миру и природе — это особенно актуально в наше время, ошибана позволяет уберечь ребенка от чрезмерной агрессии, обогащает его внутренний мир и расширяет кругозор.

Для взрослых мастеров ошибана становится своего рода уходом от действительности, возможностью снять напряжение и расслабиться.

Мастер-класс для начинающих

Флористическая живопись ошибана может помочь каждому проявить художественные способности и раскрыть творческий потенциал.

Это искусство не имеет никаких ограничений в части используемых материалов, а также сложности складываемых картин, именно поэтому начинать любую работу имеет смысл только после самой тщательной подготовки и продумывания каждого этапа.

Для того чтобы создать картину на основе листьев и цветков, ещё до начала работ следует приготовить основные инструменты — это позволит вам окунуться в процесс творчества, не отвлекаясь на поиски какого-либо предмета для создания изображений в технике ошибана.

Вам потребуются:

  • ножницы канцелярские и маникюрные для вырезания деталей картины;
  • мягкий простой карандаш — его используют для начертания узора;
  • пинцет — требуется для максимально бережного перемещения и фиксации растительных заготовок;
  • твёрдый картон — используется как основа;
  • стеклянная рамка — для финишного оформления полученного произведения;
  • клей — обычно используют ПВА;
  • тонкие кисти.

Все эти инструменты можно легко найти в каждом доме или приобрести в магазине канцтоваров. А вот подготовка расходных материалов для работы требует более серьезного подхода.

Обращаем внимание на то, что для создания панно и картин из растительных фрагментов мало собрать цветы, лепестки и травы. Надо ещё и грамотно обработать их поверхность – именно от этого будет во многом зависеть сложность работы, а также декоративный внешний вид картины. Обычно для оформления панно используют следующие материалы:

  • цветочные лепестки;
  • кору деревьев;
  • семена растений;
  • листья деревьев;
  • травы;
  • тополиный пух.

Всё это вы можете собрать в ближайшем лесу или сквере.

Растительный материал после сбора необходимо поместить в специальную папку либо под гнёт и высушить до того момента, пока заготовки не станут тонкими и плоскими.

Бывает так, что во время обработки дары природы утрачивают насыщенность и яркость красок и даже изменяют оттенок — поправить эту ситуацию поможет продолжительная термообработка.

Подготовленный таким образом материал после подсушивания становится хрупким, поэтому бывает достаточно одного неловкого движения, чтобы свести на нет все усилия по его заготовке. Очень важно уделить особое внимание хранению растений: опытные мастерицы берут для этого герметично закрывающийся бокс – он позволяет защитить растения от попадания воды и уберегает от атак насекомых.

Имейте в виду, что сухой материал нужно держать подальше от прямых лучей солнца, поскольку под действием ультрафиолета он станет блёклым и использовать его для оформления рисунков станет невозможно — ёмкости с заготовками надо хранить в сухом тёмном месте.

После того как все природные материалы собраны и подсушены, можно приступать непосредственно к созданию флористической аппликации.

Предлагаем пошаговый мастер-класс по составлению пейзажа в технике ошибана, он включает несколько этапов.

  • Для начала нужно взять картон и нанести на него контуры основных фрагментов изображения — это передний план (речка, берег и линия горизонта). На данном этапе чётко вырисовывать все элементы не нужно. После этого рисуют кроны и стволы деревьев.
  • Затем можно приступать непосредственно к приклеиваю растительных заготовок. Начинать работу нужно с неба: чаще всего для этого берут обёртку кукурузных початков и по контуру вырезают из неё облака.
  • После этого тонкой кистью на всю поверхность листка наносят клей, таким образом детали крепятся к картине. Вся картина на 3-4 минуты помещается под пресс – сделать это нужно для того, чтобы ПВА полностью высох, а все элементы растения были надежно прикреплены.
  • Далее, можно переходить к оформлению водной глади реки. Для этого обычно используют берёзовую кору (бересту): разделяют на тонкие пластины и вырезают небольшую часть речки.
  • После этого подбирают гармоничные оттенки и приклеивают остальные фрагменты. Пейзаж снова кладётся под тяжёлый гнёт и подсыхает в течение 3-5 минут.
  • На следующем этапе можно переходить к оформлению заднего плана рисунка. Лучше всего воспользоваться для это тыльной стороной листьев тополя — она имеет светло-серебристый оттенок и поэтому как нельзя удачнее передаёт необходимую размытость заднего фона.
  • Листки обрезают по обозначенному контуру и осторожно крепят к основанию из картона, а затем картина ещё раз придавливается.
  • На следующем этапе можно изобразить левый берег реки – с этой целью берут листья тополя или клёна и вырезают по желаемой форме.
  • Все приготовленные элементы прикрепляют к рисунку, при этом нужно следить за тем, чтобы градиенты между листьями разных оттенков были максимально плавными.
  • Для оформления другого берега можно взять листья осины – они максимально реалистично воссоздают очертания деревьев, расположенных на заднем плане.
  • В передней части картины укрепляют элементы, подготовленные из розовых лепестков. Тут также сохраняется требование обеспечения равномерного перехода от одного цвета к другому так, чтобы избежать заметных стыков тонов.
  • При желании задний план пейзажа можно дополнить хвойными деревьями. Для этого подходят ветки полыни — их можно приклеить в виде ёлок, отличающихся между собой по размеру.
  • После того как будут проработаны основные элементы фона, стоит уделить внимание деревьям и другим большим деталям. Например, на одном из берегов можно посадить берёзовые стволы — их вырезают из бересты, возле них размещаются кустарники на основе лепестков розы. Листву деревьев формируют из оборванных руками кусочков листьев – в этом случае они получаются неравномерными, и это идеально соответствует самой идее флористической композиции.
  • В качестве альтернативы для изображения леса можно использовать кленовые или земляничные листья.
  • На одном из берегов при желании можно сформировать обрыв – для его оформления стоит воспользоваться заготовками тёмного цвета.
  • В конце работы мастер прорабатывает самые мелкие элементы пейзажа — это затемнённые участки возле берега и отражение в водной глади, здесь можно взять светлые и тёмные листки любых растений. Самое главное, чтобы каждая используемая деталь максимально гармонично вписывалась в картину и дополняла её.
  • Готовый пейзаж ещё раз придавливается прессом и окончательно подсушивается.
  • После этого останется только поместить картинку под стекло и вставить в рамку.

Красивые примеры

Ошибана являет собой удивительной красоты японскую живопись, которая помогает художнику проявить полёт фантазии и творческую индивидуальность. При грамотном подходе к рисованию засушенными растительными фрагментами, в стиле ошибана можно создавать потрясающие картины, которые гармонично впишутся в интерьер вашего жилища.

Узнать больше об искусстве ошибана можно из следующего видео.

Ваши картины могут потерпеть неудачу из-за одной ошибки

Избегайте этой ошибки рисования начинающих

Женщина с зонтиком — Мадам Моне и ее сын Клода Моне, 1875, холст, масло. Адаптировано из статьи Боба Бара.

С середины 1800-х годов многие художники (и начинающие рисовальщики) ставили цвет над другими элементами в живописи. Они ошибочно принимают выбор цвета за корень всех успехов или неудач в живописи. И они приводят в пример импрессионистов.

Однако Клод Моне, например, исследовал, как рисовать свет и его эффекты на красочных сценах, которые он видел перед собой.Хотя многие думают о Моне как о художнике цвета, его, возможно, более точно описать как первоначального «художника света».

Картины терпят неудачу или получают успех чаще всего из-за того, насколько точны значения цвета в работе, а не из-за неправильного выбора цвета или смешения цветов. Зритель «читает» картину через ее ценности. А композиция зависит от того, как расположены светлые и темные значения. Проблема в том, что начинающие художники-рисовальщики часто видят оттенок и насыщенность цвета, а не его ценность.

Как рисовать как профессионал вместо

Рисование гризайли (композиции в оттенках серого) перед применением цветов может помочь сопоставить правильные значения в сцене с желаемым оттенком в правильном значении. Несколько упражнений по сопоставлению значений в градациях серого с различными местными цветами также помогают в тренировке наших глаз.

«Лучший способ понять цвет — это работать с ним», — говорит Лаура Антонов, ведущая занятия по теории цвета на художественном факультете Университета Миссисипи.«Научиться смешивать краски, сочетать краски или ткани, смотреть на цвета при дневном свете, а затем при искусственном освещении — все это может помочь развить вашу цветовую чувствительность».

Исследование цвета: квадраты с концентрическими кругами Василия Кандинского, 1913.

Антонов также подчеркивает, что начинающие художники (и ветераны, если на то пошло) должны быть бдительными, чтобы избежать одного заблуждения в живописи: этот цвет существует в вакууме.

«При рассмотрении определенного цвета люди забывают учитывать [] окружающие цвета, условия освещения и даже культурный контекст, которые чрезвычайно важны для того, как цвет проявляется», — говорит она.

Помимо поощрения экспериментов с цветом методом проб и ошибок, Антонов также предлагает прочитать о теории цвета таких авторов, как Йозеф Альберс, Альберт Х. Манселл, Йоханнес Иттен и Иоганн Вольфганг фон Гете. Кроме того, она рекомендует уделять пристальное внимание работам художников, известных своим динамичным использованием цвета, таких как Василий Кандинский и Марк Ротко.

Цветное шлифование

Откройте для себя другие способы улучшить свою цветовую чувствительность с помощью набора Acrylic Color Essentials.С помощью упражнений из этой коллекции вы можете сочетать яркие цвета и маслянистое нанесение любимых вами акриловых красок с ценностью и цветовой смекалкой. Создавайте цветовые круги и смешивайте оттенки, тона, оттенки и нейтральные тона.

Более того, узнайте, как накладывать цвета, глубоко исследуйте ценность, выясните, что делать, когда возникают цветовые «случайности», и узнайте, как позволить своим личным цветовым инстинктам указать путь. Ниже представлен предварительный просмотр произведений искусства, которые вы можете создать с помощью этого красочного набора. Наслаждаться!

Сохранить

Сохранить

Сохранить

Сохранить

7 шедевров, отвергнутых искусствоведами — Галерея Агора

Таня Сингх

Искусство — это борьба — для всех.Не только потому, что творческий процесс требует серьезных умственных и физических усилий, но и потому, что это очень сложный карьерный путь. Когда тысячи творческих профессионалов по всему миру пытаются «добиться успеха», занятия искусством могут стать очень обескураживающими.

Однако хитрость заключается в том, чтобы продолжать двигаться вперед, несмотря на все препятствия, с которыми вы сталкиваетесь. И когда это становится трудным, это может помочь вернуться и обратиться к мастерам за вдохновением, художественным и прочим.

«Все великие дела — трофеи победоносной борьбы.”

— Юлиус Майер-Грефе

У большинства мастеров, какими мы их знаем сейчас, это было не так просто, как мы думаем. Они тоже боролись, и, скорее всего, гораздо больше, чем кому-либо из нас когда-либо понадобится. Однако им удалось избежать отказов и критики и сосредоточиться только на своем искусстве, потому что они верили в себя.

Вот некоторые из препятствий, с которыми величайшие художники сталкивались в своей жизни, чтобы вдохновить вас продолжать двигаться вперед и заставить вас осознать, что отказ — это лишь часть борьбы, которая развивает вас как художника, а не ее конец.

Пабло Пикассо

Мечта, Пабло Пикассо

Пабло Пикассо, пожалуй, самый широко известный в мире художник, произвел революцию в искусстве благодаря своей новаторской технике и глубокому пониманию человеческой формы. Однако, как и любой великий художник, который когда-либо жил, его работы вначале подвергались резкой критике как «шизофренические» и даже «сатанинские».

Карл Юнг, швейцарский психиатр, назвал свою технику «формой преступного мира», чем-то злом и не принадлежащим художественным галереям.«Что касается будущего Пикассо, я бы предпочел не пробовать свои силы в пророчестве, поскольку это внутреннее приключение — рискованное дело и может в любой момент привести к остановке или катастрофическому разрыву соединенных противоположностей», — сказал он.

Что ж, он был прав, ему не следовало пробовать свои силы в пророчестве!

Клод Моне

Восход солнца, Клод Моне

Термин «импрессионизм», художественное движение, частью которого был Клод Моне, на самом деле был придуман искусствоведом Луи Леруа, который пытался критиковать работы Моне на выставке импрессионистов .Он называл картину «впечатлением», потому что считал работы незавершенными и демонстрировал плохое владение техникой. «Впечатление, я был уверен в этом. Я просто говорил себе, что, поскольку я был впечатлен, в нем должно быть какое-то впечатление — и какая свобода, какая легкость изготовления! Предварительный рисунок рисунка обоев более закончен, чем этот морской пейзаж », — написал он в этом очень саркастическом обзоре французского журнала Le Charivari.

Поль Сезанн

Олимпия, Поль Сезанн

Импрессионисты в целом не пользовались большой популярностью у критиков.Они устроили собственную выставку, что в то время не было обычным делом, чтобы избавиться от кумовства и академических ограничений элитарного общества на искусство.

Поля Сезанна даже назвал «сумасшедшим» Марк де Монтифо, французский художественный критик и писатель. Описывая свой шедевр, Olympia , картину, вдохновленную работами Мане, критик сказал: «Мистер Сезанн производит впечатление своего рода сумасшедшего, рисующего в состоянии белой горячки ».

И Клод Моне, и Поль Сезанн, а точнее все импрессионисты, по-прежнему сохраняют свои позиции (спустя более 100 лет после той первой выставки) как одни из самых продаваемых на рынке сегодня.

Оставайтесь на связи с нами! Наш информационный бюллетень полон вдохновляющих историй, советов по искусству и последних объявлений о выставках Agora Gallery.

Винсент Ван Гог

Красный виноградник, Винсент Ван Гог

Кто не знает о грустной, печальной истории Винсента Ван Гога? Нет, мы не говорим об ужасном происшествии с ухом.

Мы говорим о том факте, что самый знаменитый художник (сегодня) продал только одну картину за свою жизнь, и это тоже всего за 400 франков (что сегодня составляет около 1000 долларов).Большинство критиков категорически отвергали его работы как любительские, а некоторые даже зашли так далеко, что сказали, что они «странные, напряженные и лихорадочные».

Картины Винсента Ван Гога, каждая из них, сегодня стоит более 60 миллионов долларов.

Марсель Дюшан

Фонтан, Марсель Дюшан

Все мы знаем, что Марсель Дюшан был величайшим художником-концептуалистом всех времен. Но знаете ли вы, что его самая известная работа, Fountain , пробыла в галерее всего пару дней и была выброшена в мусорное ведро? Произведения, которые существуют сегодня, а точнее 17, являются копиями, выполненными по заказу художника после того, как оригинал был утерян в 1917 году.

На всякий случай, если вам интересно, каждая из этих реплик сегодня оценивается более чем в 2 000 000 долларов!

Энди Уорхол

Ботинок, Энди Уорхол

Лицо поп-арта, Энди Уорхол, несомненно, был одним из самых противоречивых художников своего времени. Критики называли его работы «эстетическим мошенничеством» и критиковали его за то, что он сводил искусство к «бизнесу без участия».

В 1956 году Энди Уорхол подарил свою работу ( Shoe ) Музею современного искусства в Нью-Йорке.Вскоре после этого Альфред Х. Барр-младший, директор музейных коллекций в то время, написал Уорхолу письмо, в котором отверг его (бесплатный подарок!) Работу из-за «ограниченного пространства галереи и хранилища». «Мы должны отказаться от предлагаемых подарков, поскольку считаем несправедливым принимать в качестве подарка работу, которую можно показывать нечасто», — пояснил он.

Сегодня в частной коллекции Музея современного искусства хранится 168 работ Уорхола, в том числе Shoe .

Barnett Newman

Cathedra, Barnett Newman

Барнетт Ньюман, один из самых влиятельных художников своего времени, был одним из первых художников движения абстрактного экспрессионизма, которое штурмом покорило американское искусство.Но не всех впечатлила его техника цветового поля.

В обзоре своей выставки в Институте искусств Миннеаполиса Фрэнк Гетляйн, известный в то время искусствовед, сравнил Ньюмана с маляром и сказал, что музей «мог бы сэкономить немалую долю, если бы получил план и имел эту штуку на роликах гонят дворники ».

В 2014 году одна из картин Ньюмана, Black Fire 1 , была продана за 84,2 миллиона долларов, что стало рекордом для художника.

Мы все были там.В тот самый момент, когда вы что-то создаете, вы открываете себя для критики. Независимо от того, просите вы об этом или нет, художественная критика может оказаться тяжелой пилюлей. Приучить себя принимать самых суровых критиков и учиться у них — одно из самых сложных, но наиболее полезных навыков, которые нужно развивать как артисту. Но если мастера смогли это сделать, то сможете и вы!

Полезная статья: Заставьте художественную критику работать на вас

Получать художественную критику не обязательно пугающе. Это хорошая возможность еще раз изучить, что вы пытаетесь сказать своим произведением искусства, и что люди читают из вашего произведения искусства.Никакое произведение искусства не понравится всей аудитории, но изучение своей аудитории, взаимодействие с отзывами и непредвзятость гарантируют, что вы вырастете не только как художник, но и как личность.

Обладая более чем 30-летним опытом, Галерея Агора предлагает художникам возможность представить свои работы широкому кругу национальных и международных коллекционеров и покупателей произведений искусства. Ищете возможность улучшить свою карьеру? Посетите нашу страницу о представительстве галереи и продвижении художника для получения дополнительной информации.

Есть еще идеи или предложение для статьи? Напишите нам на [email protected]


Таня Сингх — начинающий историк искусства и писатель. В настоящее время она учится в аспирантуре Колледжа искусств LASALLE в Сингапуре. Имея разностороннее портфолио, она имеет более чем трехлетний опыт написания и редактирования.

Этот пост также доступен на испанском

Как стереть ошибку с моей картины?

В остальном эффектная картина маслом может быть испорчена ярким деревом, черным пятном или серым водным пространством, которое не соответствует ярким цветам картины.Пытаясь исправить картину, художник может возиться с областью, перерабатывая краску, пока она не станет грязной. Как исправить картину?

Злоумышленники, делающие ошибки в масляной живописи

Исправьте картину маслом
Рэйчел Ширли
Мало что расстраивает художника сильнее, чем завершение удовлетворительной картины маслом, за исключением определенной области. Верно мнение, что картина маслом настолько хороша, насколько хороша ее самое слабое место.Что бы ни делал художник, проблемный участок масляной краски будет продолжать непреднамеренно притягивать взгляд. Нежелательный вариант — отказаться от покраски и начать заново — может показаться единственным вариантом. Следующее, возможно, привело художника к этому моменту:
  • Завершение картины за один присест, в результате чего последняя часть визуализируется, когда он устал или в спешке
  • Угадайте область рисования, пытаясь нарисовать ее по памяти, например, используя зеленую краску, аккуратно набранную из тюбика для травы или деревьев
  • Попытка работать с плохой фотографией
  • Слишком много возни с областью рисунка, в результате чего область теряет жизнь и становится грязной
  • Попытка стереть ошибку, добавляя все более толстые слои масляной краски
  • Недостаточно цветов в палитре для выражения требуемых цветов, что заставляет художника использовать заменяющие цвета, которые не удовлетворяют
  • Использование дешевых кистей, которые недостаточно контролируют краску
  • Не продумывать состав до тех пор, пока краска не будет нанесена, когда уже слишком поздно
Как правильно разместить картину маслом

Уничтожение картины не всегда является единственным вариантом, если только картина в целом не является неудовлетворительной.Если неисправна только одна область, возможно, стоит попробовать следующее:

Если область довольно большая, например, картина с озером или область неба, осторожно сотрите краску чистой мягкой тряпкой. Продолжайте протирать участок чистой тканью, пока не будет удалена большая часть краски.
Нанесите немного льняного масла на чистую тряпку и сотрите последние остатки масляной краски с окрашиваемой поверхности.
Оставьте этот участок сушиться на два дня или около того, или пока окрашиваемая поверхность не высохнет. Картина маслом полностью высохла, поверхность можно слегка отшлифовать тонкой стеклянной бумагой, чтобы удалить любые эффекты импасто и гребни краски до однородности.Использование пылесоса или пылесоса предотвратит попадание пыли в другую область картины.

Тонирование масляной живописи

Если проблемная область близка к сложной области деталей, художник может использовать метод, известный как «тонирование», названный в честь сэра Артура Тонкса, который придумал эту идею. Это довольно просто и похоже на промокание.

  • Отрежьте или разорвите кусок чистой бумаги (подойдет газета) примерно по размеру и форме проблемной области картины
  • Поместите бумагу на область и надавите ладонями
  • Осторожно поднимите бумагу
  • Повторите с более чистой бумагой
  • Снова подняться
  • Повторяйте до тех пор, пока краска не перестанет сниматься с бумаги
  • Картину можно оставить сохнуть в течение дня или около того, и можно повторно нанести новую краску на область
Основные художественные материалы для успешной масляной живописи Ошибки неизбежны и являются частью обучения масляной краске.Тем не менее, следующее поможет свести к минимуму ошибки, которые могут испортить иначе эффективную картину маслом:
  • Ресурсы художника хорошего качества, такие как четкие фотографии или эскизы
  • Включая основные цвета для смешения цветов
  • Щетки или щетина из соболя хорошего качества
  • Придерживайтесь рекомендованных производителей масляной живописи, таких как Winsor & Newton или Daler Ronwey
  • Правильная компоновка рисунка перед нанесением краски
Если вы устали или времени на исходе, не торопитесь, уберите картину.Его можно будет завершить на следующий день.

Ссылки на советы по масляной живописи

Цвет и техника в живописи эпохи Возрождения

В эпоху Возрождения существовало три основных метода живописи: фреска, темпера и масло. Во всех этих техниках цвет был важной частью арсенала художников, позволяя им создавать образы, вызывающие признание и вызывающие у зрителя вздох благоговения. В то время как многие художники владели всеми тремя техниками, в эпоху Возрождения фреска использовалась для потолков, темпера для небольших религиозных панно и масло для деревянных панелей или холстов, иногда очень больших.Масла допускали гораздо большую тонкость исполнения и стали излюбленным средством большинства мастеров позднего Возрождения, что сохранится и в последующие столетия.

Цветная деталь Мадонны с каноном ван дер Паэле

Наследие Брюгге (общественное достояние)

Цвета Возрождения

Художнику эпохи Возрождения был доступен широкий диапазон цветов, но качество и яркость зависели от размера его кошелька или, точнее, от его покровителя.Цвета были сделаны из земли и минералов. Озера были цвета, сделанные из органических материалов, таких как растения, цветы и ягоды, и были относительно дешевыми и доступными. Пигменты на металлической и минеральной основе были дороже. Свинец использовался для изготовления белого и красного, олова или олова для желтого, азурит для синего и малахит для зеленого. Художнику или его поставщику, возможно, придется посетить такие порты, как Антверпен, Брюгге или Венеция, которые имеют торговые связи через Средиземное море и Азию, чтобы приобрести более редкие и самые лучшие пигменты.Единственным источником ультрамарина, например, был лазурит из Афганистана. По этой причине в договорах комиссии часто указываются ограничения на определенные материалы, чтобы законченное произведение искусства оставалось в пределах возможностей покровителя.

Смешивание пигментов с нужным количеством жидкой среды для достижения яркости и текстуры, необходимых художнику, было задачей, требующей опыта.

красителей можно было приобрести у торговцев, аптекарей и монастырей. Цены также варьировались в зависимости от сорта и цвета сырья, но у нас есть много бухгалтерских книг художников, чтобы определить, сколько, где и когда стоили.Для сравнения цветов и материалов: 28 г (1 унция) ультрамарина (иногда называемого лазурным акром) стоили четыре франка в Дижоне в 1389 г. свинцовый белый или 300 листов очень тонкого сусального золота. Тогда, возможно, понятно, что многие художники вместо ультрамарина использовали азурит, который был в десять раз дешевле (но менее интенсивен). Еще одним дорогим дополнением к палитре художника были очень глубокие или насыщенные красные тона. Они были сделаны из измельченных чешуек насекомых, таких как жук кермес.Опять же, была доступна гораздо более дешевая, но менее красочная альтернатива, на этот раз корень марены молотого.

Возможно, неудивительно, что эти дорогие товары были одним из основных активов мастерской. Действительно, художники часто оставляли свои пигменты родственникам в своем завещании. Многие гильдии художников также настаивали на том, чтобы определенные пигменты не использовались в определенных средах. Это обеспечивало, например, высокое качество панелей и означало, что переписчик не мог выдавать окрашенный кусок ткани как равный по стоимости панно; у этих двоих была бы разная окраска.Кроме того, это также зарезервировало некоторые из лучших материалов для тех произведений искусства, которые предназначены для более высокой цели, таких как алтари и другие произведения искусства, предназначенные для церквей.

Чудо Святого Марка Тинторетто

Дидье Дескуэн (CC BY-SA)

После приобретения пигменты растирали на каменной плите — желательно на чем-нибудь непористом, например, мраморе — с помощью камня конической формы, известного как мюллер. Производство тонкого порошка было трудоемкой задачей, но не без некоторого умения.Слишком малое или слишком большое измельчение определенных пигментов не приводит к их оптимальной окраске. Затем смешивание пигментов с нужным количеством жидкой среды для достижения яркости и текстуры, необходимых художнику, было еще одной задачей, требующей опыта. Как письменные записи, так и изображения сцен мастерской свидетельствуют о том, что составители красок были специализированными членами мастерской, а не молодыми учениками, как часто утверждают.

Использование ярких цветов стало особенно популярным в Венеции, где была популярна техника colore (также известная как colorito ), то есть использование сопоставления цветов для определения композиции, а не линий.Тициан (ок. 1487–1576 гг. Н. Э.) И Тинторетто (ок. 1518–1594 гг. Н. Э.) Были известными представителями этой техники. Однако некоторые художники и, вероятно, поэтому клиенты предпочитали более приглушенные цвета для определенных предметов, например, картины, изображающей смерть Иисуса Христа или святого.

История любви?

Подпишитесь на нашу бесплатную еженедельную рассылку новостей по электронной почте!

Жан Лемер де Бельж в своей книге La Couronne Margaritique (около 1505 г. н.э.) написал следующий стих, описывающий типичные атрибуты мастерской художника:

Их студия полна панелей

Некоторые расписные, некоторые под роспись, и много благородных инструментов.

Есть уголь, мелки, ручки, тонкие кисти

Щетки щетинные, стопки ракушек

Silverpoint, наносящий множество тонких отметок

Полированный мрамор, сияющий, как берилл.

(Нэш, 157)

Полированный мрамор, несомненно, представляют собой окрашенные мраморные плиты, используемые для измельчения пигментов. Описанные выше раковины, обычно раковины мидий и устриц, использовались для хранения молотого порошка до тех пор, пока художник не потребовал их. Кисти либо делались художником, либо покупались в готовом виде разных размеров.Существовали две категории щеток для волос: свинья / кабанчик или белка / лисица. Размер варьировался в зависимости от задачи, но варьировался от мелких точек в несколько миллиметров до широких кистей в три сантиметра (1,2 дюйма).

Гентский алтарь Яна ван Эйка

Интернет-галерея искусства (общественное достояние)

Наконец, золото, серебро и оловянный лист использовались в изделиях, сделанных для богатых клиентов или важных церквей. Позднее художники эпохи Возрождения смогли воспроизвести металлические эффекты с помощью масел, но в любом случае драгоценные материалы иногда требовались для создания престижных предметов.Базовая панель была приготовлена ​​из гладкого слоя измельченного мела, а затем из слоя жирной коричневой глины, поверх которого были нанесены сверхтонкие кусочки битого золота, серебра или олова. Подготовительная поверхность высыхала очень быстро, поэтому добавить на изделие металлический лист без пузырей или морщин на конце было задачей для человека с большим опытом и очень устойчивой рукой. Затем лист можно было отполировать с помощью зуба или небольшого гладкого камня. Иногда листы перфорировались для создания узоров или раскрашивались, а затем области соскабливались, чтобы обнажить металл под ними, снова для создания узоров.

Фреска

Техника фрески использовалась художниками со времен античности, и в эпоху Возрождения она продолжала оставаться самым популярным методом росписи больших поверхностей, таких как внутренние стены в церквях, общественных зданиях и частных домах. Однако по мере того, как масляные картины на больших холстах становились все более популярными в 16 веке нашей эры, фрески часто ограничивались верхними частями стен и потолков.

Настоящая фреска (также известная как buon fresco ) включала сначала покрытие области стены слоем влажной штукатурки ( arriccio ), имеющей достаточно грубую консистенцию, чтобы действовать как связующее для второго, более тонкого слоя штукатурки ( intonaco ).Затем на штукатурке был нарисован примерный рисунок, либо с помощью такого материала, как уголь, либо путем размещения на стене большого бумажного эскиза («карикатуры») с пробитыми в нем отверстиями, а затем выдувания угольной пыли через отверстия (удары). Древесный уголь был полезным материалом, поскольку его можно было легко стереть пальцем или куском мягкого хлеба. Как вариант, контур рисунка можно нанести на гипс с помощью стилуса.

Бог, сотворяющий солнце, луну и планеты, Сикстинская капелла

Микеланджело (общественное достояние)

Затем художник решил, над какой частью стены он будет работать в этот конкретный день — обычно они работали от верха стены вниз — и покрыл ее очень тонким слоем свежей штукатурки, достаточно прозрачной, чтобы увидеть рисунок. за ним или переделав этот участок рисунка углем.Художник тогда был в гонке со временем, прежде чем штукатурка высохла, обычно за один рабочий день. В результате этого процесса историки искусства могут определить последовательность, в которой были нарисованы части стены, и примерно сколько дней они потратили на покраску.

Проблемы с фреской включали необходимость работать быстро и отсутствие возможности смешивать цвета.

Цветные пигменты на водной основе были затем использованы для окраски финальных изображений. Цвета и штукатурка высыхали вместе, сцепляясь друг с другом и позволяя фреске сохраняться веками.Это связано с химическим процессом, при котором высыхающая штукатурка образует слой карбоната из кристаллов извести. Именно эти кристаллы покрывают краску, не только защищая ее, но и делая цвета ярче по мере высыхания поверхности. По этой причине художнику приходилось рисовать более темными тонами, чем действительно требовалось. Наконец, мелкие детали или исправления могут быть добавлены с помощью «сухих» красок ( fresco secco ). Ярким примером успеха фрески является потолок Сикстинской капеллы Микеланджело (1475-1564 гг. Н. Э.), Завершенный в 1512 г. н. Э.

Некоторые художники пытались экспериментировать с этой проверенной техникой, но без особого успеха. Проблемы с фресками заключались в необходимости работать быстро, в необходимости соскрести область и начинать с нуля, если была допущена ошибка, а также в отсутствии возможности смешивать цвета, как в масляной живописи. Другой недостаток заключался в том, что фрески имели тенденцию сильно портиться во влажном климате. Самый печально известный пример художника, использующего только «сухие» краски на фреске, — это Тайная вечеря , которую Леонардо да Винчи (1452-1519 гг. Н.э.) написал в Милане (городе с высокой влажностью), но который начал рассыпаться в течение десятилетий. его завершения c.1498 г. н.э.

Темпера

Темпера — это техника рисования, восходящая к глубокой древности, когда ее особенно использовали художники в Древнем Египте. Он включает в себя смешивание красителей в форме мелкого порошка с жидкостью, которая действует как связующее вещество, чаще всего яичный желток, смешанный с водой (яичный белок может обесцвечиваться, а желток теряет свой цвет). Альтернативой было добавление масла к раствору, которое ускоряло высыхание и позволяло наносить на более мягкие поверхности, такие как холст. В третьем рецепте вместо яичного желтка использовался белый творог, а в смесь добавлялся разбавленный сок лайма.

Преимущество создания цветов таким способом заключается в том, что они становятся намного ярче и имеют качество полупрозрачности, полезное для создания слоев цвета, чтобы придать изображению глубину и текстуру. Недостатком было то, что цвета нельзя было смешивать при нанесении на рабочую поверхность. Следовательно, художник обычно сначала наносил самый темный оттенок цвета, а затем добавлял последовательные слои или области более светлых оттенков.

Бичевание Христа Пьеро делла Франческа

Пьеро делла Франческа (общественное достояние)

Темпера чаще всего наносили на левкас или деревянные панели.В качестве древесины использовалась в основном сосна или тополь в южной Европе и балтийский дуб в северной Европе. Деревянные панели обычно изготавливались специалистом, а затем покупались художником; то же самое было и с рамками для картин. Дерево сначала покрывали слоем тонкого полотна, а затем смесью мела и клея. Как и в случае с фреской, художник может создать грубый набросок на панели, затем покрыть его гладким полупрозрачным слоем, в основном маслом, а затем заполнить рисунок темперными цветами. Бичевание Христа Пьеро делла Франческа (ок.1420-1492 гг. Н.э.), созданный ок. 1455 г. н.э., является примером темперы на панно, хотя Пьеро был в некотором роде экспериментатором и иногда смешивал цвета темпера с масляными красками.

Картина маслом

Масляные краски были сделаны из порошковых пигментов, добавленных в масло, чаще всего льняное масло, но иногда и другие, например масло грецкого ореха, которое особенно хорошо делало белый цвет более ярким. Некоторые художники нагревали масло перед использованием, так как это уменьшало вероятность усадки и растрескивания краски при высыхании.

Голландский художник Ян ван Эйк (ок. 1390–1441 гг. Н. Э.) Традиционно считался изобретателем техники масляной живописи, но на самом деле это был гораздо более старый метод, который попросту вышел из моды. Ван Эйк был удостоен этой чести, вероятно, потому, что он был несомненным мастером масляной живописи и был одним из первых художников эпохи Возрождения, которые регулярно использовали масляные краски в своих работах. К концу 15 века н.э. большинство крупных художников эпохи Возрождения в Нидерландах и Италии, особенно, использовали масляные краски при работе за мольбертом, а не темперу.

Богородица канцлера Ролина, Ян ван Эйк

Интернет-галерея искусства (общественное достояние)

Масляные краски были универсальными и могли наноситься на подготовленные деревянные панели, холст, бумагу, ткань или поверхность стен. Слой грунтовки белого или светло-серого цвета обычно наносился на поверхность перед тем, как приступить к покраске. Затем были нанесены различные слои с художником, обычно начиная с фона, затем периферийных элементов, затем одежды и драпировок, и, наконец, рук и лиц.Предлагаемые масляные краски насыщенных цветов идеально подходили для парчовой одежды, плюшевых драпировок и сверкающих драгоценностей, которые были модными в то время. Таковы были возможности масел, что, как упоминалось выше, даже металлические материалы, сделанные с использованием золота и серебра, можно было обрабатывать без необходимости использования сусального золота и серебра.

Масла

позволили добиться гораздо большей утонченности цветов, поскольку полупрозрачные цвета могут быть многослойными, а цветные области могут состоять из слоев краски различной толщины, создавая, таким образом, очень широкий диапазон цветовых тонов.Анализ картин эпохи Возрождения показал, что часто в одной области бывает до семи различных слоев краски. Кроме того, мазки кистью с использованием масла могут стать невидимыми или их можно использовать для создания эффекта, художник намеренно меняет их размер, форму и направление. Следствием этого наслоения и разнообразия манер письма стало достижение реальной глубины в живописи, которой не могли соответствовать панели с темперными панелями или расписанные фресками стены. Точно так же детали, такие как текстура кожи, волосы и морщины, а также оптические эффекты, такие как отражения, теперь могут быть представлены как никогда раньше.Еще одним большим преимуществом является то, что масло может высохнуть в течение нескольких дней, и это позволяет художнику смешивать, смешивать, корректировать или полностью переделывать область своей картины (даже используя для этого пальцы). Кроме того, любые ошибки могут быть покрыты дополнительными слоями краски после того, как исходные слои высохнут. Поэтому неудивительно, что живопись маслом по-прежнему является первым выбором художников. После завершения масляной живописи эпохи Возрождения обычно наносили тонкий слой защитного лака, чтобы гарантировать, что работа продлится намного дольше жизни ее создателя.

Перед публикацией эта статья была проверена на предмет точности, надежности и соответствия академическим стандартам.

Поль Сезанн | artble.com

  • Эмиль Зола

  • Поль Сезанн, 1904:

    «Рисование и цвет не разделены вообще; когда вы рисуете, вы рисуете. Чем больше гармонирует цвет, тем точнее рисунок становится. Когда цвет достигает насыщенности, форма также достигает своей полноты. Контрасты и отношения тонов — вот вам секрет рисования и моделирования ».

  • Камиль Писсарро

    Шарлотта Амалия

  • Вид на Овер-сюр-Уаз

    Поль Сезанн

  • Дом на реке

    Поль Сезанн

  • Ранний год рождения Пола Сезанна

    богатая семья из Экс-ан-Прованса, Франция. Его отец был успешным банкиром, чье богатство помогало Сезанну на протяжении всей его жизни, а его мать была романтикой, которая поддерживала карьеру сына.

    В 1852 году Сезанн поступил в Коллеж Бурбон, где встретил своих хороших друзей Эмиля Золя и Баптистена Байля. Все трое были очень близки долгое время. После классического образования в Экс-ан-Прованс отец Поля Сезанна пожелал, чтобы он стал юристом. Однако, проучившись два года на юридической школе (одновременно получая уроки искусства), он не мог вынести мысли о продолжении своего образования и уехал в Париж.

    В Париже Поль Сезанн провел большую часть своего времени с Эмилем Золя, французским писателем.Он поступил в Académie Suisse, где познакомился со своим наставником Камилем Писсарро. После пяти месяцев безуспешных попыток поработать художником в Париже, Франция, Сезанн вернулся в Экс-ан-Прованс по просьбе отца.

    В своем родном городе Поль Сезанн поступил в местную художественную школу и попытался работать банкиром, но это предприятие также потерпело неудачу. Следовательно, в 1862 году он вернулся в Париж, чтобы работать художником. К сожалению, он провалил вступительный экзамен в Ecole des Beaux-Arts, но продолжал работать между Парижем и Экс-ан-Провансом и представил многие свои работы жюри Салона.

    К этому времени он был хорошими друзьями с художниками-импрессионистами Клодом Моне и Камилем Писсарро и встретил свою будущую жену. Однако у него также была давняя любовница — Гортензия Фике — и во время прусской войны Сезанн и Фике сбежали из Парижа и остались в Л’Эстаке, Франция, до 1871 года.

    Средние годы:
    В 1872 году Поль Сезанн жил в Понтуаз, Франция, с Гортензией Фике и его новорожденным сыном Полем (о котором его отец не знал). Сезанн все еще с энтузиазмом работал над своими картинами и проводил время на улице со своим кумиром Камилем Писсарро.

    В Понтуазе Поль Сезанн познакомился с доктором Полем Гаше, который был поклонником его работ, и поэтому с 1872 по 1874 год он жил в доме Гаше в Овер-сюр-Уаз.

    В 1873 году Сезанн познакомился с Винсентом Ван Гогом, а в 1874 году он выставился на первой выставке импрессионистов. Работы Сезанна подвергались резкой критике вместе с картинами импрессионистов, но картины Сезанна не нравились и другим художникам. Композиции Сезанна из этого периода работы, близкой к Камилю Писсарро, показывают, что на него немного повлиял пленэрный стиль живописи импрессионистов.

    В 1877 году Сезанн продемонстрировал 16 своих картин, вызвав презрение критиков и поклявшийся никогда больше не показывать свои работы на выставке импрессионистов. Хотя он все еще находился под влиянием импрессионистского стиля Писсарро, Сезанн продолжал работать в своей студии и не верил в то, что всегда рисовал с натуры.

    В начале 1880-х годов Сезанн стал еще дальше отходить от стиля живописи импрессионистов. Он поссорился с Эмилем Золя в 1886 году из-за его интерпретации романа Золя, L’Oeuvre, и они никогда больше не виделись.В 1886 году Сезанн женился на своей любовнице и унаследовал от отца большое имение, а это означало, что ему никогда не приходилось беспокоиться о зарабатывании денег на своем искусстве.

    Пожилые годы:
    В ноябре 1895 года Поль Сезанн провел свою первую персональную выставку в Париже, и Амбруаз Воллар скупил все произведения искусства. Затем он навсегда переехал в Экс-ан-Прованс.

    В начале 1900-х его работы были показаны по всей Европе и получили признание критиков, но на протяжении всей своей жизни Сезанн был застенчивым и враждебным по отношению к другим художникам и сохранял это отношение.Он умер в октябре 1906 года от пневмонии и похоронен на кладбище в Экс-ан-Провансе.

    Виды изобразительного искусства — Изобразительное — Абстрактное

    Существует три основных типа визуального искусства. Подкатегории существуют в каждом из этих типов. Часто эти типы искажаются или, чаще, неправильно понимаются. Независимо от того, является ли работа трехмерной скульптурой или двухмерной, она все равно относится к одному из этих трех основных типов. Эти типы бывают репрезентативными, абстрактными или необъективными.Намерение художника часто указывает нам на вид искусства, которое мы смотрим. Помимо этого, применение материала также может повлиять на тип произведения искусства.

    Репрезентативное искусство

    Репрезентативные произведения искусства предназначены для представления реальных объектов или предметов из реальности. Подкатегории изобразительного искусства включают реализм, импрессионизм, идеализм и стилизацию. Все эти формы репрезентации представляют реальных субъектов из реальности.Хотя некоторые из этих форм делают шаги в сторону абстракции, они по-прежнему подпадают под категорию репрезентации. Изобразительное искусство, пожалуй, старейшее из трех видов искусства. Его можно проследить до палеолитической статуэтки Венера Виллендорфская . Кроме того, его легче всего усвоить с точки зрения зрителя.


    Пьер Огюст Ренуар. Две сестры (на террасе ), 1881

    Мы можем легко идентифицировать себя с узнаваемыми объектами на картинах, рисунках или скульптурах.Это делает изобразительное искусство широко распространенным в массах. Изобразительное искусство также представляет собой самую большую коллекцию произведений искусства. Учитывая, что два других типа, абстрактный и беспредметный, являются относительно новыми видами искусства, это имеет смысл. Изобразительное искусство прошло через множество фаз и движений, но принцип представления зрителю узнаваемого предмета остался прежним. Стоит отметить, что некоторые изобразительное искусство заигрывает с абстракцией.Можно сказать, что некоторые изобразительные произведения искусства оказываются более реалистичными, в то время как другие формы фокусируются на восприятии художником предмета.

    Абстрактное искусство


    Жорж Брак. Женщина с гитарой , 1913

    Часто неправильно понимаемый вид искусства, известный как абстракция, направлен на то, чтобы брать предметы из реальности, но представлять их способом, отличным от того, как они рассматриваются в нашей реальности. Это может выражаться в подчеркивании линий, форм или цветов, которые преобразуют объект.Абстрактное искусство включает подкатегории минимализма, кубизма и прецизионизма. Абстракция также может возникнуть, когда художник решает рассматривать предметы в нетрадиционной манере. Абстракция — относительно новое явление в мире искусства, корни ее уходят в отклонения от реальности импрессионистов. Он начал набирать популярность в различных формах по всему миру в конце 19 века. Художники стали более интеллектуально подходить к живописи.


    Рене Магритт. Предательство изображений , 1928-1929

    Об этом новом подходе к искусству свидетельствует картина Магритта «Предательство образов», 1928–1929. На французском языке под изображением трубки есть фраза: «Это не трубка». Дело в том, что картина действительно не труба, а картина трубы. Художники того времени теперь подходят к картинам как к картинам, допуская новую форму интеллектуального выражения. Многим людям трудно понять разницу между абстрактным искусством и беспредметным искусством.Явная разница заключается в выбранной теме. Если художник начинает с предмета из реальности, произведение считается абстрактным. Если художник творит без отсылки к реальности, то работа считается необъективной.

    Необъективное искусство

    Третий вид искусства часто принимают за абстрактное искусство, хотя он полностью отличается от него. Беспредметное искусство ничего не берет от реальности. Он создан исключительно из эстетических соображений.Цель беспредметного искусства — использовать элементы и принципы искусства таким образом, чтобы в результате получилась визуально стимулирующая работа. Это действительно так просто.


    Джексон Поллок. Number One 1948

    Начало работы: как подготовленный холст может радикально улучшить вашу картину

    Ошибка номер один, которую делают все новички, покупая предварительно растянутый холст или доску для холста в книжном магазине со скидкой, а не разворачивает . целлофан из него.

    Ошибка номер два — оставить холст белым, когда начинают рисовать .

    Первая техника, которую я всегда преподаю в рисовании (и техника, которую я использую в 99% своей работы), — это покрытие белого холста одной сплошной краской, которая называется «тонированный фон».

    Это сокращение от «тонированный фон» и является № 1 в моих принципах рисования.

    Его можно назвать «тонированным грунтом» или «цветным грунтом», поскольку его можно использовать в рисовании и живописи.

    Использование цветной земли дает ряд фантастических вещей, которые нельзя недооценивать, начиная учиться рисовать.

    Он может преобразить ваши картины, сделав их более профессиональными, увеличить скорость создания ваших картин и дать вам надежный метод создания тонального настроения в ваших работах … Различные художники на протяжении веков использовали тонированные основы в своих работах , От Тернера до Джека Веттриано.

    Тернер использовал предварительно окрашенные листы акварельной бумаги с разными оттенками (цветами) коричневого, синего и серого.

    Столкнувшись со сценой, он просматривал свои заранее нарисованные акварельные листы и выбирал наиболее подходящий цвет.

    Например, теплый коричневый цвет для сцены с осенним деревом.

    Вы можете нанести тонированный грунт (также называемый цветным грунтом) непрозрачно или в виде прозрачного пятна (так называемый Imprimatura )

    Для нашей первоначальной цели лучше всего использовать непрозрачный лак, так как он не дает акриловой живописи выглядеть слишком «акварельной»

    Профессиональный совет: Наносится после грунтовки холста левкасом , если вы работаете с необработанным холстом.

    Какие цвета вы используете для тонированной земли?

    Это зависит от настроения и ощущения, которое вы испытываете в своей картине.Вы пытаетесь представить, что находится под картиной, а затем накладываете на нее непрозрачные цветные слои.

    Я предпочитаю пейзажи, натюрморты или портреты почти всегда на основе одного из цветов Земли. См .: Из чего сделаны мои краски?

    Обычно Умбра жженая + белая, Умбра натуральная + белая или желтая охра.

    Абсолютным новичкам я рекомендую желтую охру.

    Почему?

    Обычно входит в состав большинства наборов для начинающих и может быть разбавлен небольшим количеством воды.

    Кроме того, он ярче, чем вы думаете, поэтому помогает выйти из зоны комфорта.

    Использование желтой охры может вызвать некоторые сомнения, если вы впервые начинаете рисовать, поскольку желтый цвет может показаться слишком сильным, но вам просто нужно немного поверить!

    Например, если вы рисуете синий морской пейзаж, теплый оттенок желтого может идеально уравновесить холодный синий цвет сцены, добавляя ощущение падения солнца на части вашей картины.

    Совет для профессионалов: Если вы попробуете использовать желтую охру прямо из тюбика, но все равно обнаружите, что она слишком сильна по интенсивности на ваш вкус, просто добавьте в смесь немного титанового белила, чтобы приглушить его — это даст вам цвет, близкий к неаполитанскому желтому.

    Ваши акварельные техники портят акрил?

    Если вы переходите к акрилу или маслу из акварели, вы, естественно, будете использовать слишком мало краски.

    Акварель основана на разбавлении, Акрил — на добавлении.

    Если нанести колючую водянистую краску на белый холст, картина будет выглядеть дилетантски.

    Если у вас такая же царапающая водянистая краска на непрозрачном грунте, ваша картина будет выглядеть потрясающе!

    Цветная земля делает всю работу за вас.

    Как мне может помочь цветная земля?

    Купленные полотна и доски почти всегда белые.

    Когда у вас есть белый холст, любой цвет, которым вы рисуете, выглядит совершенно по-другому из-за оптических эффектов и трюков, которые цвет играет на вас.
    Новичка это может сбить с толку. Например, если вы нарисуете светло-серый цвет на белом холсте, он будет выглядеть черным.

    Неопытному артисту действительно трудно точно судить о цветах и ​​тонах из-за эффекта «Одновременного контраста».’

    Совет для профессионалов: Посмотрите видео в середине статьи, чтобы увидеть эффекты одновременного контраста

    Насколько мне разбавить акрил? (а я просто использую воду?)

    Это зависит от марки краски, которую вы используете.

    Для тяжелой краски для кузова потребуется больше воды, чем для мягкой краски для кузова. Поскольку я использую эту технику в большинстве своих картин, я использую жидкий акрил от Golden paint. Он уже был смешан на заводе до тонкой консистенции и имеет хороший уровень акрилового связующего в краске и действительно хорошую насыщенность цвета.Вы можете добавить в него немного воды, и он по-прежнему будет очень хорошо удерживать акриловую связку.

    Если вы только начинаете знакомство с техникой, подойдут стандартные акриловые краски.

    Профессиональный совет: Некоторые производители рекомендуют не разбавлять акриловые краски более чем 40-50% воды из-за снижения некоторых адгезионных свойств акриловых красок (поскольку вы разбавляете количество акрилового связующего в смеси. ). Однако для этого этапа рисования это не имеет значения, так как мы рисуем прямо на холсте.Мы хотим, чтобы краска «схватилась» за холст и пропиталась им. Если вы добавите слишком много среды на этом этапе, это может вызвать сопротивление последующим слоям краски, прилипшим к ним. Смесь должна быть тонкой и «постной».

    Совет для профессионалов: Если вы обнаружите, что краска скапливается небольшими каплями на поверхности, когда вы просто используете воду, вам нужно добавить немного « антиадгезионного средства » (теперь называемого смачивающим агентом). краска. Это поможет снять поверхностное натяжение и заставит тонкий слой краски впитаться в холст.

    Как нанести цветную акриловую основу?

    Время : 10 минут

    Уровень : Абсолютный новичок

    Материалы :

    Желтая охра Акриловая краска (я демонстрирую с помощью Golden Acrylics Heavy body paint) белый холст или холст, кисть для декораторов (я использую 2-дюймовая кисть для декораторов Purdy), кухонный рулон (бумажное полотенце), вода, газета, мастихин с коленчатой ​​ручкой (я использую мастихин 45 RGM)

    Pro Materials : (Оторвите одноразовую палитру, мастихин с коленчатой ​​ручкой (Я использую мастихин № 45 RGM), водяной мистер, золотой флюид, акрил.

    Итак, вот что вы делаете:

    1. Положите старую газету на пол или работайте на действительно старом полу или столе.

    2. Смешайте желтую охру в банке для варенья / старой кружке или пластиковом поддоне с водой до консистенции молока / одинарных сливок. Для красок студенческого качества потребуется меньше воды, чем для красок художественного качества.

    3. Возьмите кухонный рулет в левую руку (потому что при первом запуске у вас обязательно появятся нежелательные капли).
    Поднимите холст.Сначала прокрасьте края, стараясь не допускать чрезмерного перетекания лицевой стороны холста. Наклоните кисть, чтобы щетина не скользила по передней части холста. Нанесите краску чистящим движением, чтобы «вдавить» ее в холст, чтобы она впиталась в холст.

    4. Положите полотно на пол или низкий стол. Затем, работая быстро, смажьте краску слева направо, чтобы покрыть холст.

    5. Когда вы рисуете, на краю холста будут более темные полосы краски, потому что щетина выталкивает его наружу.Вы должны продолжать работать взад и вперед, чтобы сгладить неблагоразумные поступки.

    6. Сожмите щетку в кухонном полотенце, чтобы удалить большую часть влаги, а затем осторожно проведите по холсту, снова работая слева направо, перекрывая движения и приподнимая кисть в конце, вместо того, чтобы работать взад и вперед.

    Остерегайтесь подтеков на краю холста и, если вы слишком увлечены, следите за брызгами от кисти.

    Pro Совет: Я предварительно смешиваю весь воздухонепроницаемый пластиковый контейнер с основным цветом, поэтому мне не нужно каждый раз смешивать идеальную консистенцию.

    Совет для профессионалов: Если вы смешиваете краску и воду вместе, не используйте кисть декоратора, она заберет слишком много краски и будет сложно смешать вместе. Попробуйте использовать пластиковый кухонный шпатель, старую кисть

    Pro Tip
    : I Используйте акриловую краску Golden Fluid Acrylic, так как она оказывает более сильное окрашивание, чем разбавление краски Heavy body.

    Pro Совет: Если вы используете акриловую основу для масляной краски, обязательно добавьте воду в акрил.Поскольку акрил имеет пластиковую основу, масляная краска может образовывать пленку, которая будет лежать на ней, а не погружаться в холст.

    Pro Совет: Если вы добавите слишком много краски к начальному слою, краска не будет вести себя так же на переплетении холста.

    Итак, что мы будем делать дальше?
    Вы развернули холст и нарисовали красивый цветной грунт. Теперь нам нужно иметь быстрое понимание кистей , чтобы у нас были подходящие инструменты для работы.

    Ресурсы

    Эти кисти отлично подходят для украшения дома, они поставляются с небольшим картонным «домиком для кистей», чтобы держать кисть в форме между использованиями. Обратите внимание на наборы для продажи, так как они могут быть действительно хорошими.

    Я преимущественно использую золотые краски, так как нахожу очень хорошую насыщенность цвета, а титановый белый обладает удивительной непрозрачностью.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *